Man-Eater – Der Menschenfresser

Originaltitel: Antropophagus, Italien 1980, 92 Minuten, deutsche Fassung, 35mm, Regie: Joe D’Amato, Darsteller: George Eastman, Tisa Farrow, Serena Grandi

Zum Tod des Schauspielers, Regisseurs und Drehbuchautors Luigi Montefiori (aka George Eastman), der am 20. Mai von uns ging.

Eine Bootsfahrt in der Ägäis endet für eine kleine Gruppe Touristen auf einer kleinen Insel, auf der sie auf ein blindes Mädchen treffen, das ihnen von einem Menschenfresser erzählt. Nur wenig später schlägt er auf dem Boot zu, tötet und macht sich auf die Suche nach den übrigen Besuchern ...

Der Schocker wurde im Deutschland der 80er Jahre zum großen Skandal. Im Rahmen der hysterischen Anti-Horrorvideo-Kampagne war er einer der am häufigsten attackierten Titel, die Medien stellten ihn als Musterbeispiel für Filme dar, die verboten werden müssen. Dies geschah dann auch ein paar Jahre später. Einkassiert wurde sowohl die Kino- als auch die Videofassung, was trotz der zahlreichen deutschen Gewaltfilm-Verbote selten vorkam. Inzwischen ist das Verbot aber endlich aufgehoben. Sogar das deutsche Kinoplakat wurde übrigens als jugendgefährdend indiziert, aber bereits 2006 von der Liste gestrichen.

Tatsächlich stellt „Man-Eater“ zwar durchaus die konsequent zu Ende gedachte Übersteigerung der damals so beliebten Kannibalismus-Klischees dar. Entgegen seines Rufs ist er aber keine Aneinanderreihung von Splatterorgien, sondern über weite Strecken überraschend subtil.
Der Film erzeugt eine für Joe D’Amato ungewöhnlich intensive Spannung – mittels seines Sounddesigns, das im Kino am besten zur Geltung kommt: ein basslastiges Röcheln, mit dem die oft aus subjektiver Kameraperspektive gezeigten Morde geschehen, ein Elektroscore, der später prominent eingesetzt wird, und das Entsetzen verstärkt. Auffällig ist auch, wie „Man-Eater“ das griechische Urlaubsparadies nach und nach in eine potthässliche Hölle verwandelt und zuletzt eine Ugolinotragik enthüllt, die italienischen Gothic-Horror mit deutschem Sturm und Drang verbindet.

"Schaut man sich ANTHROPOPHAGUS mit objektiver Distanz an, fällt doch vor allem auf, wie ruhig und geduldig D’AMATO seine Geschichte aufbaut, dass es ihm weniger um ein Schlachtfest ging, als vielmehr darum, eine niederdrückende Atmosphäre der Traurigkeit, des Todes und der Ausweglosigkeit zu schaffen." (Oliver Nöding, Remember It For Later)

"Ein Film, der einem nicht nur auf einer psychischen Ebene attackiert, sondern der auch körperlich fühlbar ist." (Marco Koch, wwww.filmforum-bremen.de) "Der Irrsinn unter heißer Sonne wird spürbar“, meinte auch Kultautor Hans Schifferle, in dessen Buch "Die 100 besten Horrorflme" es der Schocker schaffte.

Wir zeigen eine originale 35mm-Kopie aus dem KommKino-Archiv, die leider rotstichig ist. Immerhin passt dies zu der Thematik des Films und angesichts der Seltenheit und da es die erste Kopie des inzwischen sehr umfangreichen KommKino-Analog-Archivs ist, möchten wir sie unserem Publikum nicht vorenthalten.

The Furious

Originaltitel: The Furious, Hong Kong 2025, 113 Minuten, englisch/mandarin/OmdU (17.09.), deutsche Fassung (15.09./19.09.), digital, Regie: Kenji Tanigaki, Darsteller: Xie Miao, Joe Taslim, Yang Enyou, Jeeja Yanin, Brian Le

Als „The Raid“ 2011 die Actionwelt erschütterte, begann für das moderne Martial-Arts-Kino eine neue Ära. Neben Regisseur Gareth Evans wurden auch Iko Uwais, Joe Taslim und Yayan Ruhian über Nacht zu internationalen Genregrößen. Mit „The Furious“ versammelt Stunt-Legende Kenji Tanigaki – selbst seit Jahrzehnten prägende Kraft des Hongkong-Actionkinos (vor allem durch Produktionen mit Donnie Yen) – gleich mehrere dieser Veteranen zu einem kompromisslosen Rachethriller. Im Mittelpunkt steht der stumme Handwerker Wang Wei, dessen Tochter einem Ring skrupelloser Kinderhändler in die Hände fällt. Gemeinsam mit einem verdeckt ermittelnden Polizisten nimmt er die Verfolgung auf und gerät in einen immer brutaler eskalierenden Feldzug gegen eine bestens organisierte Unterwelt.

Story und Figuren bleiben dabei bewusst archetypisch, denn Tanigaki interessiert sich weniger für erzählerische Umwege als für die körperliche Wucht seiner Inszenierung. Präzise choreografierte Kämpfe, lange Einstellungen und ein beeindruckendes Gespür für räumliche Übersicht verleihen jeder Auseinandersetzung Gewicht und Dynamik. Unterstützt von Action-Director Kensuke Sonomura entstehen so einige der eindrucksvollsten Martial-Arts-Sequenzen der letzten Jahre – kompromisslos, hart und handgemacht. „The Furious“ etabliert sich dabei mühelos als eines der stärksten modernen Genrewerke und beweist eindrucksvoll, dass das Hongkong- und chinesisch geprägte Martial-Arts-Kino nach Jahren im Schatten der indonesischen Konkurrenz wieder selbstbewusst an der Spitze des Genres mitkämpft. 

Pink Flamingos

USA 1972, 93 Minuten, Originalversion, digital, Regie: John Waters, Darsteller: Divine, Davis Lochary, Mink Stole

Inspiriert vom juristisch und genretechnisch epochemachenden „Deep Throat“ (1972), inszeniert John Waters gekonnt dilettantisch noch im selben Jahr seinen Beitrag zum Wettkampf um den Titel der schmutzigsten Person der Gegenwart. Nie wurden inzestuöse Fellatio und Babyhandel mit versklavten Collegegirls so avantgardistisch in Szene gesetzt. Mangelndes Budget und die provozierte Camp-Ästhetik gaben sich dabei die Klinke in die Hand.

Zurecht fragte sich der Pionier des queeren Schundfilms, welch für die Leinwand bisher unbekannten Abscheulichkeiten auf legalem Wege nach Start der Pornowelle noch umgesetzt werden können. Und er enttäuscht nicht. Denn dieser Film macht betroffen. Neben dem Verdrängten der vermeintlich sexpositiven 70er zeigt uns der Film auch die Utopie des sexuell Möglichen. Nicht nur präsentiert uns der neue audiovisuelle Sex die Macht des Kinos der kleinen Leute, sondern rückt auch die Randgruppenerotik und deren Verständnis von Schönheit ins Rampenlicht.

John Waters zum 80.

John Waters wurde am 22. April 1946 in Baltimore als Sohn katholischer Eltern geboren. In der Schule scharte er bereits eine Gruppe um sich, die sein Kunstverständnis teilte: Die „Dreamlanders“, wie sich Cast und Crew fortan nannten, wurden mit John Watersʼ ersten Langfilmen „Multiple Maniacs“, „Pink Flamingos“ und „Female Trouble“ zu Ikonen. Einer seiner Stars war Harris Glenn Milstead, besser bekannt als Divine. 

Die Filme von John Waters erlangten große Underground-Berühmtheit und trugen maßgeblich zur Entwicklung des Midnight-Movie-Formats bei. Seine größten Vorbilder waren Rainer Werner Fassbinder, Ingmar Bergman, Herschell Gordon Lewis und William Castle. Abseits des guten Geschmacks kreierte der selbst ernannte „Schmuddelkönig von Hollywood“ Filme, die bewusst das bisherige Kinoverständnis infrage stellten und durch zahlreiche Tabubrüche die Zensur provozierten. Dies gelang ihm stets mit beißendem Humor und einer scharfsinnigen, hintergründigen Inszenierung. Seine Themen haben bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren.

Serial Mom

USA 1993, 95 Min., OV, 35mm, R.: John Waters, D.: Kathleen Turner, Sam Waterston, Ricki Lake, Matthew Lillard, Mink Stole

Beverly Sutphin ist die vorbildliche und angesehene Mutter einer typischen reinen amerikanischen Durchschnittsfamilie in einem Vorort von Baltimore. Sie ist stets um das Wohl ihrer Familie bemüht. Und so versteht sie auch keinen Spaß, wenn durch böswillige Machenschaften die idyllische Nachbarschaft und das heile Familienbild beschmutzt werden, wofür die Verursacher auch prompt ihre Quittung bekommen bzw. ihr Leben dafür lassen müssen. Als der Leichenberg sich stapelt und die Zahl der Todesfälle über das übliche Maß wächst, geht die Polizei der Sache doch einmal auf den Grund …

Mit SERIAL MOM liefert John Waters eine bissige Satire auf die spießige Vorstadtwelt, in der die amerikanische Wohlstandsgesellschaft doppelmoralisch ihr Dasein fristet: nach außen hin eine weiße Weste, von innen aber bis ins Mark verdorben. Getränkt in schwarzem Humor und gespickt mit Zitaten an berühmt-berüchtigte Horrorfilme, vollbringt Kathleen Turner als Mutterdämon wahre schauspielerische Höchstleistungen und Matthew Lillard zeigt bereits zwei Jahre vor Wes Cravens SCREAM, dass in ihm ein Horrorfan steckt.

John Waters zum 80.

John Waters wurde am 22. April 1946 in Baltimore als Sohn katholischer Eltern geboren. In der Schule scharte er bereits eine Gruppe um sich, die sein Kunstverständnis teilte: Die „Dreamlanders“, wie sich Cast und Crew fortan nannten, wurden mit John Watersʼ ersten Langfilmen „Multiple Maniacs“, „Pink Flamingos“ und „Female Trouble“ zu Ikonen. Einer seiner Stars war Harris Glenn Milstead, besser bekannt als Divine. 

Die Filme von John Waters erlangten große Underground-Berühmtheit und trugen maßgeblich zur Entwicklung des Midnight-Movie-Formats bei. Seine größten Vorbilder waren Rainer Werner Fassbinder, Ingmar Bergman, Herschell Gordon Lewis und William Castle. Abseits des guten Geschmacks kreierte der selbst ernannte „Schmuddelkönig von Hollywood“ Filme, die bewusst das bisherige Kinoverständnis infrage stellten und durch zahlreiche Tabubrüche die Zensur provozierten. Dies gelang ihm stets mit beißendem Humor und einer scharfsinnigen, hintergründigen Inszenierung. Seine Themen haben bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren.

Strange Harvest

USA 2024, 94 Minuten, Originalversion, digital, Regie: Stuart Ortiz, Darsteller: Peter Zizzo, Terri Apple, Andy Lauer, Jessee Clarkson

„Im Stil einer investigativen True-Crime-Dokumentation beleuchtet der Film die unerbittliche, fast zwei Jahrzehnte andauernde Jagd der beiden Detectives Joe Kirby und Lexi Taylor auf einen sadistischen Serienmörder, der in Südkalifornien nur als „Mr. Shiny“ bekannt ist. Jedes seiner makabren Verbrechen stellt die Polizei vor ein immer größeres Rätsel, denn seine Rituale scheinen direkt mit einer dunklen, kosmischen Macht in Verbindung zu stehen.

Mit akribischer Liebe zum dokumentarischen Detail – von grausamen, angeblichen Tatortfotos über verstörende Überwachungsvideos bis hin zu erschreckend authentisch wirkenden Interviews – kreiert Regisseur Stuart Ortiz („Grave Encounters“) einen nervenzerreißenden Mockumentary-Albtraum. Die Grenzen zwischen Realität und blutiger Fiktion verschwimmen so meisterhaft, dass man als Zuschauer immer wieder daran zweifeln muss, ob das Gesehene nicht doch bittere Realität ist. Ein packender Abstieg in die Abgründe menschlicher (und übermenschlicher) Grausamkeit.“ (Drop-Out Cinema)

Strange Harvest

USA 2024, 94 Minuten, Originalversion, digital, Regie: Stuart Ortiz, Darsteller: Peter Zizzo, Terri Apple, Andy Lauer, Jessee Clarkson

„Im Stil einer investigativen True-Crime-Dokumentation beleuchtet der Film die unerbittliche, fast zwei Jahrzehnte andauernde Jagd der beiden Detectives Joe Kirby und Lexi Taylor auf einen sadistischen Serienmörder, der in Südkalifornien nur als „Mr. Shiny“ bekannt ist. Jedes seiner makabren Verbrechen stellt die Polizei vor ein immer größeres Rätsel, denn seine Rituale scheinen direkt mit einer dunklen, kosmischen Macht in Verbindung zu stehen.

Mit akribischer Liebe zum dokumentarischen Detail – von grausamen, angeblichen Tatortfotos über verstörende Überwachungsvideos bis hin zu erschreckend authentisch wirkenden Interviews – kreiert Regisseur Stuart Ortiz („Grave Encounters“) einen nervenzerreißenden Mockumentary-Albtraum. Die Grenzen zwischen Realität und blutiger Fiktion verschwimmen so meisterhaft, dass man als Zuschauer immer wieder daran zweifeln muss, ob das Gesehene nicht doch bittere Realität ist. Ein packender Abstieg in die Abgründe menschlicher (und übermenschlicher) Grausamkeit.“ (Drop-Out Cinema)

The Last Train

Deutschland 2025, 80 Minuten, deutsche Fassung, digital, Regie: Olaf Ittenbach, Darsteller: Sarah-Anouk Voss, Noel Wasskowiak, Alois Kreuzwieser

Ein Ittenbach-Abend im KommKino!

Wie fast alle Teenager durchlebt die 12-jährige Sally eine schwierige Zeit. Ihre alleinerziehende Mutter ist mit der Situation zunehmend überfordert und schenkt ihr, unter dem Vorwand nun Verantwortung tragen zu müssen, einen Hund. Zur gleichen Zeit trifft Sally ihre erste große Liebe, Joey, wieder und kümmert sich gleichzeitig um ihren alkoholkranken Vater. Als ihr jedoch alles über den Kopf wächst, beschließt sie, zusammen mit Joey in den Sommerferien von zu Hause auszureißen und eine Zugreise mit unbekanntem Ziel anzutreten. Dort taucht ein alter Mann auf und die Ereignisse nehmen eine gravierende Wendung …

Die lebende Independent-Splatter-Legende Olaf Ittenbach ist seit vielen Jahren ein gern gesehener Gast im KommKino. Am 26.9. ist es wieder so weit. Wir feiern sein neues Werk „The Last Train“! Natürlich in Anwesenheit des Regisseurs samt Cast und Crew. Garantiert kein Mainstream. Kommt rum!

Cecil B.

Originaltitel: Cecil B. Demented, USA 2000, 87 Minuten, deutsche Fassung, digital, Regie: John Waters, Darsteller: Melanie Griffith, Stephen Dorff, Alicia Witt, Maggie Gyllenhaal, Mink Stole

„Cecil B. Demented ist der Anführer einer ‚halbstarken Bande von jugendlichen Filmterroristen‘, die Hollywood den Krieg erklärt haben: Kurzerhand wird eine zickige Filmdiva entführt und gezwungen, in Cecils Undergroundfilm mitzuspielen. Dieser verspricht nichts Geringeres als: „Real People, Real Terror“. Getreu diesem Motto verüben Cecil und sein Filmteam vor laufender Kamera Terroranschläge gegen Multiplex-Kinos und demolieren die Drehorte von Hollywoodfilmen wie „Forest Gump 2 – Gump Again“. Die konservativen Studiobosse erzittern bald vor Angst ...

[…] John Waters hat mal wieder zugeschlagen. Der Regisseur aus Baltimore, der von Fans ehrfurchtsvoll ‚Pope of Trash‘ genannt wird, liefert hier ein überdrehtes, hochgradig unterhaltsames Action-Slapstick-Massaker ab, wie es Hollywood schon lange verdient hat. Der Film legt von der ersten Minute an ein rasantes Tempo vor, gönnt sich keine Pause, und ist nach 87 Minuten viel zu schnell zu Ende. Die zahlreichen bitterbösen Pointen sitzen (und wie), die Darsteller wachsen einem ans Herz (und das, obwohl so mancher die Schauspielschule entschieden zu früh abgebrochen hat). Bei näherem Hinsehen entpuppt sich der Film dann auch als weitaus intelligenter, als der erste Eindruck vermuten lässt: Ja, Cecil B. Demented (unschwer als das jugendliche Alter Ego von John Waters zu erkennen) hat verdammt noch mal recht mit seiner Radikalkritik an der Dummheit der amerikanischen Filmindustrie.“ (Harald Ladstätter, www.filmtips.at)

John Waters zum 80.

John Waters wurde am 22. April 1946 in Baltimore als Sohn katholischer Eltern geboren. In der Schule scharte er bereits eine Gruppe um sich, die sein Kunstverständnis teilte: Die „Dreamlanders“, wie sich Cast und Crew fortan nannten, wurden mit John Watersʼ ersten Langfilmen „Multiple Maniacs“, „Pink Flamingos“ und „Female Trouble“ zu Ikonen. Einer seiner Stars war Harris Glenn Milstead, besser bekannt als Divine. 

Die Filme von John Waters erlangten große Underground-Berühmtheit und trugen maßgeblich zur Entwicklung des Midnight-Movie-Formats bei. Seine größten Vorbilder waren Rainer Werner Fassbinder, Ingmar Bergman, Herschell Gordon Lewis und William Castle. Abseits des guten Geschmacks kreierte der selbst ernannte „Schmuddelkönig von Hollywood“ Filme, die bewusst das bisherige Kinoverständnis infrage stellten und durch zahlreiche Tabubrüche die Zensur provozierten. Dies gelang ihm stets mit beißendem Humor und einer scharfsinnigen, hintergründigen Inszenierung. Seine Themen haben bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren.

Die neun Leben von Fritz the Cat

Originaltitel: The Nine Lives of Fritz the Cat, USA 1974, 76 Minuten, deutsche Fassung, digital, Regie: Robert Taylor

Der Zeichentrickfilm basiert auf der Comicfigur des Hippie-Katers von Robert Crumb und ist die Fortsetzung des berühmten „Fritz the Cat“ aus dem Jahr 1972.

Kater Fritz ist mittlerweile verheiratet, Vater und natürlich arbeitslos. Erschöpft von der häuslichen Tristesse und dem ständigen Gekeife seiner Frau flieht er regelmäßig in Marihuana-Fantasien. In diesen halluzinogenen Träumen durchlebt er seine titelgebenden „neun Leben“, die ihn in ganz unterschiedliche Situationen und Epochen katapultieren – darunter die Goldenen Zwanziger, den Zweiten Weltkrieg und absurde Zukunftsszenarien.

Selten gezeigte schwarzhumorige, teils bizarre Satire, die Erotik, derbe Komik und gesellschaftskritische Elemente verbindet.

Cecil B.

Originaltitel: Cecil B. Demented, USA 2000, 87 Minuten, deutsche Fassung, digital, Regie: John Waters, Darsteller: Melanie Griffith, Stephen Dorff, Alicia Witt, Maggie Gyllenhaal, Mink Stole

„Cecil B. Demented ist der Anführer einer ‚halbstarken Bande von jugendlichen Filmterroristen‘, die Hollywood den Krieg erklärt haben: Kurzerhand wird eine zickige Filmdiva entführt und gezwungen, in Cecils Undergroundfilm mitzuspielen. Dieser verspricht nichts Geringeres als: „Real People, Real Terror“. Getreu diesem Motto verüben Cecil und sein Filmteam vor laufender Kamera Terroranschläge gegen Multiplex-Kinos und demolieren die Drehorte von Hollywoodfilmen wie „Forest Gump 2 – Gump Again“. Die konservativen Studiobosse erzittern bald vor Angst ...

[…] John Waters hat mal wieder zugeschlagen. Der Regisseur aus Baltimore, der von Fans ehrfurchtsvoll ‚Pope of Trash‘ genannt wird, liefert hier ein überdrehtes, hochgradig unterhaltsames Action-Slapstick-Massaker ab, wie es Hollywood schon lange verdient hat. Der Film legt von der ersten Minute an ein rasantes Tempo vor, gönnt sich keine Pause, und ist nach 87 Minuten viel zu schnell zu Ende. Die zahlreichen bitterbösen Pointen sitzen (und wie), die Darsteller wachsen einem ans Herz (und das, obwohl so mancher die Schauspielschule entschieden zu früh abgebrochen hat). Bei näherem Hinsehen entpuppt sich der Film dann auch als weitaus intelligenter, als der erste Eindruck vermuten lässt: Ja, Cecil B. Demented (unschwer als das jugendliche Alter Ego von John Waters zu erkennen) hat verdammt noch mal recht mit seiner Radikalkritik an der Dummheit der amerikanischen Filmindustrie.“ (Harald Ladstätter, www.filmtips.at)

John Waters zum 80.

John Waters wurde am 22. April 1946 in Baltimore als Sohn katholischer Eltern geboren. In der Schule scharte er bereits eine Gruppe um sich, die sein Kunstverständnis teilte: Die „Dreamlanders“, wie sich Cast und Crew fortan nannten, wurden mit John Watersʼ ersten Langfilmen „Multiple Maniacs“, „Pink Flamingos“ und „Female Trouble“ zu Ikonen. Einer seiner Stars war Harris Glenn Milstead, besser bekannt als Divine. 

Die Filme von John Waters erlangten große Underground-Berühmtheit und trugen maßgeblich zur Entwicklung des Midnight-Movie-Formats bei. Seine größten Vorbilder waren Rainer Werner Fassbinder, Ingmar Bergman, Herschell Gordon Lewis und William Castle. Abseits des guten Geschmacks kreierte der selbst ernannte „Schmuddelkönig von Hollywood“ Filme, die bewusst das bisherige Kinoverständnis infrage stellten und durch zahlreiche Tabubrüche die Zensur provozierten. Dies gelang ihm stets mit beißendem Humor und einer scharfsinnigen, hintergründigen Inszenierung. Seine Themen haben bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren.

Ein Mann geht über Leichen

Originaltitel: L’assassino di pietra / The Stone Killer, USA 1973, 95 Minuten, deutsche Fassung, 35 mm, Regie: Michael Winner, Darsteller: Charles Bronson, Martin Balsam, Jack Colvin

Der für seine brutalen Methoden bekannte New Yorker Detective Lou Torrey wird nach Los Angeles versetzt. Dort deckt er eine Verschwörung der Mafia auf. Diese heuert Vietnam-Veteranen an, um einen landesweiten Rachefeldzug gegen rivalisierende Bosse zu starten.

Basierend auf John Gardners Roman „A Complete State of Death“ ist „Ein Mann geht über Leichen“ ein Neo-Noir-Krimi, der Charles Bronson in seiner typischen kompromisslosen Art zeigt und bekannt ist für seine atemberaubenden Verfolgungsjagden und Actionszenen. Die Story setzt jedoch nicht nur auf Action, sondern ist auch spannend aufgebaut und verfügt sogar über einen sozialkritischen Aspekt. Auch das Ende ist für einen Film, in dem Charles Bronson den starken Arm des Gesetzes vertritt, eher ungewöhnlich. „Ein Mann geht über Leichen“ ist ein kompetent inszenierter Actionthriller, der zu den Highlights in Charles Bronsons und Michael Winners Filmographien gehört und auch heute noch sehenswert ist.

Die Nacht der lebenden Toten

Originaltitel: Night of the Living Dead, USA 1968, 96 Minuten, Originalversion, 35 mm, Regie: George A. Romero, Darsteller: Duane Jones, Judith O’Dea, Karl Hardman, Marilyn Eastman

In Zusammenarbeit mit dem „monströs! – re:festival“.

„Als Barbra mit ihrem Bruder Johnny das Grab ihres Vaters besucht, werden sie plötzlich von einem merkwürdigen blassen Mann angegriffen. Barbra kann sich in ein verlassenes Farmhaus in der Nähe retten, wo wenig später auch Ben eintrifft. Im Keller entdecken sie noch weitere Personen, die sich dort verschanzt haben. Aus den Nachrichten erfahren sie von einer tödlichen Epidemie, die rasend schnell um sich greift und kürzlich Verstorbene als Menschenfleisch fressende Untote wiederauferstehen lässt. Das verbarrikadierte und immer stärker belagerte Landhaus wird zur letzten Zuflucht im unerbittlichen Kampf gegen die Zombies. 

 „Die Nacht der lebenden Toten“, ursprünglich als Freizeitprojekt mit Minimalstbudget gedreht und nach seiner Erstaufführung von Kritikern zunächst als unappetitliche Banalität verunglimpft, gilt schon lange als Kultfilm und genreprägender Meilenstein des Horrorkinos. Der stilistische Einfluss auf nachfolgende Generationen ist noch in den Film- und Serienproduktionen der Gegenwart spürbar. Der hintergründige Grusler erhielt auch einen Platz in der Filmsammlung des Museum of Modern Art. Schließlich ist es George A. Romero mit seinem Klassiker nicht nur gelungen, mit einfachsten Mitteln gängige Filmkonventionen umzuwälzen; mit dem von Duane Jones verkörperten Ben trat auch einer der ersten afroamerikanischen Helden der Filmgeschichte in Erscheinung.“ (nach arthaus.de)

Besitzer des „monströs! – re:festival“-Tickets haben freien Eintritt!

Tickets und Infos zu „monströs! – re:festival“ unter: https://www.kunstkulturquartier.de/tafelhalle/programm/tafelhalle-detail/451066/2026-10-03/20-30#vNr-4

Frank Schäfer kommt nach Nürnberg und stellt sein neues Buch vor. Im Anschluss an die launige Lesung gibt's noch die bitterböse britische Gesellschaftsgroteske "Eat The Rich" (1987).

Als Lemmy Kilmister am 28. Dezember 2015 starb und sein Teamkollege Mikkey Dee einen Tag später das Ende der Band erklärte, brach für die Fans eine Welt zusammen. Vierzig Jahre lang sorgte Lemmy, der berühmteste und wichtigste Repräsentant des Heavy Metal, dessen Karriere damit begann, dass er bei Jimi Hendrix die Marshalls aus dem Transporter schleppte, mit seinem martialischen Rock 'n' Roll in der Musikszene für taube Ohren. Noch posthum nimmt sein Ruhm immer weiter zu. Nun werden die Archive geplündert, und jedes Konzert wird für die unersättlichen Motörhead-Addicts auf Vinyl gepresst, auch bei feministischen Musikerinnen hat er eine beachtliche Reputation erlangt.

Frank Schäfer, Motörhead-Fan der ersten Stunde, erzählt die Geschichte.

Pressestimmen:

"Frank Schäfer ... hat sein bandzyklopädisches Wissen, seine persönlichen Erlebnisse, Gedanken, Analysen und seine umfassende Hardrock-Allgemeinbildung nun in eine Band-Biografie gegossen." - Florian Arnold, Berliner Morgenpost

"Dass Schäfer ... kritische Gedanken nicht verhehlt, macht neben dem musikalischen Sachverstand die Qualität seines Buches aus, das sich dadurch abhebt von den üblichen Hagiographien ..." - Wolfgang Schneider, Frankfurter Allgemeine Zeitung

"[Schäfer beschreibt die Musik Motörheads mit] derselben Sorgfalt, Gründlichkeit und Differenziertheit, mit der die Musikkritik ansonsten ... an den Kanon herangeht." - Benjamin Moldenhauer, neues deutschland

"Schäfer betätigt sich nicht nur historiografisch, sondern auch als der Musikkritiker, als den man ihn kennt. Mit Verve ... fällt bei aller erkennbaren Liebe zur Band auch drakonische Urteile wie 'klingt nach Mülltonne, um es mal diplomatisch auszudrücken'. Das Verdienst von Schäfers Motörhead-Biografie ist es, der feuilletonistischen Versuchung widerstanden zu haben, die merkwürdige Schönheit der monumental dröhnenden Leere Motörheads durch narzisstische Overdubs zu verzerren." - Jörg Scheller, Neue Zürcher Zeitung

"Inmitten der vielbesungenen Legendenbildung schafft das Buch den Spagat, Fans und genrefremde Neugierige gleichermaßen zu bedienen." - Stefan Gnad, Nürnberger Nachrichten

"Sein Buch ist wichtig, lesenswert und für alle Fans härterer Musik unumgänglich. " - tam.tam Das Stadtmagazin

"[Die Biografie] ist von Fachwissen, Leidenschaft und Mitgefühl geprägt, bis zum bitteren Ende." - Neue Presse

Save the Date! 

(Sonntag 17:00 Uhr - Kino 1)

Save the Dates: 

Fr., 13.11.: 14:00/16:00/21:00/23:15

Sa., 14.11.: 14:00/16:00/21:00/23:15

So., 15.11.: 13:00/15:00/17:30

Die Filmbüchse der Pandora – fünfte gottlose Öffnung

Eines unserer Lieblings-Filmfestivals ... unbedingt schon mal vormerken!